Gino Boschini

Dando nueva vida a una camisa

Hace unos años, para una Navidad uno de mis primos me regaló una camisa blanca lindísima: tanto el diseño, como la tela y la confección me parecían perfectas. Además siento una especial atracción por las camisas blancas, así que fue un regalo que disfruté muchísimo por bastantes años. Pero nada es eterno, y el año pasado noté con pesar, que si bien el tejido y la textura de la camisa, seguían tan bien como siempre, su color sí manifestaba el paso de los años.

Aquí se ve muy blanca, pero en realidad ya parecía amarillenta.

La primera intención fue desechar mi querida camisa. Pero al comprobar que con excepción del color, la camisa estaba buena, empecé a pensar cómo resucitarla. Se me ocurrió pintarla con acrílico -de todos modos, ya no había mucho que perder.

Quería pintar una escena bíblica, me decidí por un tema recurrente en mi: el mito de Salomé. Puse manos a la obra y comencé a trabajar el fondo en color morado. Rápidamente tuve que aceptar que no iba a ser una tarea fácil, pues quería tapar con pintura la totalidad del blanco.  Pintaba un día sí y otro no. 

El avance era lento y se me hacía tedioso, al punto que la camisa que ahora empezaba a tornarse morada, pasaba más tiempo guardada que en la mesa de trabajo.

Pasó el 2023 y cuando por fin empezó el 2024,  el estado de la camisa no había avanzado mucho. En eso empezaron los preparativos para el festival Transitarte, a mediados de marzo de este año. Al encontrarnos en Cuaresma, se me hizo propicio estrenar mi camisa con tema de Salomé, pues por ser Transitarte un evento multitudinario, consideré ideal usar algo muy llamativo para estar acorde con lo colorido de la actividad.

Retomé la obra y al estar ahora con el tiempo más limitado, las sesiones de pintura se volvieron más pesadas. Pero no importaba, yo quería lucirla en el festival. Al concluir de aplicar el color morado del fondo, ya sentía que había progresado y ahora venía la parte más divertida que era pintar a los personajes.

El mito de Salomé es una escabrosa historia muy bizarra: violencia, sexo, política y religión se mezclan hasta terminar en la muerte del profeta Juan El Bautista. Mi primer impulso fue pintar la escena con un erotismo fuerte y explícito, pero si la iba a usar en Transitarte, tal vez esa idea no era tan acertada, pues esa actividad es de índole familiar, por lo que me incliné por bajar el tono lascivo de esa historia.

Titulé este color como "morado penitencia"
Este es el "rojo flagelo"

La que una vez fue una de mis camisas blancas más queridas, pasó a ser un soporte para una obra de arte usable. Su lectura empieza de derecha a izquierda con la figura de Herodías, la madre de Salomé que mueve todas sus influencias para conseguir la muerte del profeta, aún a costa de la dignidad de su hija. Seguidamente el rey Herodes, representado como una estatua verde (el uso de este color es una alusión al término “viejo verde” o sea un anciano erotizado que gusta de mujeres muy jóvenes) ofrece en una bandeja de plata la cabeza de Juan El Bautista a Salomé, su hijastra, quién es representada con siete velos, los colores de cada velo tienen un significado, así como lo tiene la parte del cuerpo donde se coloca cada velo.

La reina Herodías
El rey Herodes Antipas
La cabeza de Juan El Bautista sobre la bandeja de plata, tal como lo dicta la iconografía, para reconocer que la obra que vemos trata el tema de Salomé.
La princesa Salomé
Escena completa de Salomé recibiendo la cabeza de Juan El Bautista servida en bandeja de plata, por las manos de Herodes.

Estrené la camisa el viernes 15 de marzo, el primer día del Festival pues iba a estar en el Parque Nacional pintando con mis compañeros de Pintal.

Me gustó la nueva textura que adquirió la camisa. La tela es de algodón, pero al cargar tantas capas de pintura acrílica, ahora se siente como entre cuero y plástico y el olor del acrílico es muy agradable. Temía que fuera a resultar muy caliente, pero no fue así, sigue siendo una prenda cómoda de usar.

Ese día terminé in situ una vista parcial del Monumento Nacional de Costa Rica, del francés Louis-Robert Carrier -Belleuse. Monumento ©GinoBoschini2024 Acrílico 30 x 40 cm 2024

Ahora quiero compartirles videos de algunas versiones de películas que presentan el baile de Salomé:

Empezamos con “Salome” de 1922-23, una película muda dirigida por Charles Bryant y Alla Nazimova, quien también era productora y protagonista de la película. Esta versión se basa en la tragedia publicada por Oscar Wilde en 1891 y que fue ilustrada por el gran artista Aubrey Beardsley.

En el cine mi versión favorita es la de mi adorada Rita Hayworth, del año 1953 y la dirige William Dieterle. Una delicia de cine kitsch, representativa del Hollywood de la época de oro, con un reparto rutilante, en el que la costosa producción pasa por alto toda rigurosidad histórica.

Para 1961, se estrena otra superproducción de tema épico bíblico: “Rey de Reyes” (Nicholas Ray), aparte de ser una muy buena película, tiene una banda sonora bellísima de Miklós Rózsa (el mismo de la música de “Quo Vadis” y “Ben Hur“). En esta versión Salomé es interpretada por la actriz estadounidense Brigid Bazlen.

Para terminar esta entrada, les comparto una canción del grupo irlandés U2 llamada “Salome” (obviamente). La versión original es muy buena, pero la que me fascina es esta mezcla conocida como el Zooromancer remix:

Resumen de las actividades del mes de agosto 2023

Agosto fue un mes movido. Hubo mucha actividad cultural y artística.

Voy a compartirles un pequeño resumen un poco atrasado porque si hay algo que no me ha sobrado en estas últimas semanas ha sido el tiempo.

Empiezo el mes de agosto terminando un libro.

Esta es la copia de “On the Road” que me acompañó durante varios meses.

Empezando apenas el mes concluí mi lectura de una excelente novela que disfruté muchísimo: “On the road” de Jack Kerouac. Esto no tiene mucho que ver con todo lo demás pero quería contarles y recomendarles esta producción literaria que se considera la obra definitiva de la generación beat: cuenta sobre la vida bohemia y desordenada de un grupo de personas que entre 1947 y 1950 viajan constantemente a lo largo de Estados Unidos e incluso llegan a México. En la narración se alude a muchas manifestaciones culturales, entre estas hay diversos géneros músicales que enmarcan los eventos del relato. Yo disfruté mucho ese detalle porque conforme iba leyendo buscaba la música en línea y eso enriquecía la lectura, por ejemplo, cuando los dos personajes principales viajan a México el mambo era el soundtrack de su frenética fiesta.

Salida a hacer urban sketch en San José centro

Listos para empezar a bocetear.

El jueves 3 de agosto me fui con Doreen Bákit a hacer urban sketch en la Plaza de la Cultura: mucho sol, gente variopinta, demasiadas palomas, ruido y caos urbano.

Un detalle del modelo de ese día.
El boceto de Doreen.
Mi boceto en lapicero azul.

En la tarde noche, no podíamos dejar de pasar a saludar a nustra amiga Luisa Valerín, compañera de Pintal quien inauguraba su exposición individual “Gestos e Historias” en la Escuela Casa del Artista.

Una velada feliz y especial, compartiendo con nuestra querida amiga Luisa Valerín. En la foto de abajo con nuestras colegas: Mónica Pérez, Doreen Bákit, Marta Yglesias y Alicia Aguilar.

Participación en expos virtuales

En julio envié las fotos para dos exposiciones virtuales que se publicaron en agosto.

El 9 de agosto el grupo panameño Arte Drusiliano presentó su exposición que conmemora el Día Internacional de los Pueblos Indígenas. Yo participé con mi obra “Talamanca” en la cual hago un homenaje al rey indígena Pablo Presbere.

“Talamanca”
©GinoBoschini2023
Técnica mixta
21 x 14.5 cm
2023
El afiche de la exposición y mi certificado de participación.

Días después presenté “El beso de Salomé” para la exposición “Besos” del grupo argentino Salieris de van Gogh El mito que se genera a partir del personaje de Salomé siempre me ha gustado mucho. Es fascinante esa trama tan oscura, en la que el sexo, la religión y la política se funden en una historia tan violenta como bizarra.

“El beso de Salomé”
©GinoBoschini2023
Técnica mixta
20 x 28 cm
2023
Invitación para la exposición virtual de “Besos”

Inauguración La Noche y obra vendida

El viernes 11 asistí a la inauguración de la exposición La Noche del colectivo MerchArt en el Centro de Estudios Brasileños y felizmente ahí mismo vendí mi obra “3:00 a.m.”. Gracias al nuevo dueño de esta obra que retrata las caras de las criaturas de las noches de la ciudad, los noctámbulos de verdad, de los que hacen las noches tan eternas como intensas. Gracias también a Irene Antillón por su gestión de conseguir espacios expositivos. Pueden ver más fotos del evento en mi cuenta de Instagram: https://www.instagram.com/p/CwSoqBRu9mH/?utm_source=ig_web_copy_link&igshid=MzRlODBiNWFlZA==

Invitación al FEA 16/8

La profesora Flory Castro de la Escuela Pacífica Fernández Oreamuno nos invitó a varios artistas de distintas disciplinas a servir de jurado para el certamen de artes visuales de la inauguración de la Etapa Circuital del Festival Estudiantil de las Artes 2023, el día 16 de agosto.

El jurado y otros invitados junto a la profesora MEd. Flory Castro, Facilitadora Curricular de Español: De izquierda a derecha: Marìa del Mar Piedra Arias, profesora de música; Stanley Lara Castro, invitado especial y profesor de música en el MEP. Luego el jurado Anthony Chavarría, arquitecto; Dennis Salas, diseñador gráfico y artista visual; Silvia Aguilar, artista visual; un servidor y Kattia Granados, artista visual. Cerrando la fila, nuestra anfitriona Floy Castro.
Un día realizando una agradable labor en pro del arte y la cultura
Bonitos detalles para el jurado
¡Muchas gracias Flory Castro!

Clausura expo Patrimonio Ferroviario

Llego el día de la clausura de la exposición “Patrimonio Ferroviario Estaciones.Puentes.Trenes” de Pintal, pintores al aire libre de Costa Rica. El evento se fusionó con la presentación del libro “Historias de Ferrocarrileros Costarricenses” de la EUNED  compilado por don Álvaro Gutiérrez Rojas y editado por el escritor Daniel Garro Sánchez. Contamos con la participación de Carlos Luis Fallas Pastor, historiador del Centro de Investigación y Conservación del Patrimonio Cultural de Costa Rica. El acto fue conducido por Carolina Arias, comunicadora de la EUNED.

En el orden usual Carlos Luis Fallas Pastor, luego yo; después Álvaro Gutiérrez Rojas y Daniel Garro Sánchez.
Con mi obra “Matilda”

Estuvieron presentes los señores ferrocarrileros que compartieron sus historias en este libro. En la foto nos acompaña don Gio Castaldini de AMIGOS DEL TREN A OROTINA y don Roy Fonseca, administrador de la página Ferrocarrileros de Costa Rica.En ambas fotos está presente doña Elizabeth Briceño Jiménez quien también fue Presidente Ejecutiva del INCOFER.

Hermosa foto cortesía de Doreen Bákit.

Clases Lil Mena

En la tarde del mismo día de la clausura de la exposición “Patrimonio ferroviario” tuve mi primera lección de encuadernación con Lil Mena Una experiencia lindísima y enriquecedora. Muy agradecido con Lil Mena, Xinia Matamoros y Doreen Bákit por compartirme su conocimiento en esta técnica.

¡Me costó, pero me encanta cómo quedó!
Aún no he tenido chance de practicar lo aprendido. Espero recordar todos los pasos y los muchos detalles de esta técnica de encuadernación.
Gratísima la compañía de estas talentosas artistas: Xinia Matamoros y Lil Mena.

Certamen Universal Brush Society de Master Brush Awards

La polifácetica artista Patrizia Gallo lanzó este año una nueva iniciativa cultural de alcances internacionales: Universal Brush Society y lo hizo por todo lo grande con un certamen virtual de artes visuales con la participación de 53 países y más de 300 obras. Tuve el honor de colaborar como juez junto a varios destacados e importantes artistas de distintos países. Gracias a Patrizia y su esposo Alberto París por invitarme a participar de este proyecto.

Este es mi afiche de presentación con fotografía del maestro Rodrigo Quesada. Abajo los certificados de participación como jurado, el de arriba emitido por Universal Brush Society y el de abajo de CIA (Consell Internacional de les Arts), UNOTA (United Nations Arts & Sciences) UNESCO (United Nations Educational, Scientific and Cultural Organization)

Barrio México

El nuevo proyecto de Pintal arrancó a fines de julio y en agosto nos dimos a la tarea de producir nuestras obras para la exposición “Barrio México 100” que presentaremos en el Centro Multicultural Botica Solera, muestra que se enmarca en las actividades del Centenario de Fundación de Barrio México.

Afiche de la exposición con la obra de Patrizia Gallo.
Lista de participantes en “Barrio México 100”

Monotipia 1/9

El profesor Francisco Calderón de la ECA nos dio un excelente taller de monotipia y quedé encantado con la técnica, pues encierra un cierto grado de sorpresa, que lo hace interesantísimo. En realidad este taller lo recibimos mis compañeros del curso de pintura y yo, el primero de setiembre, pero yo lo cuento como parte de las actividades de agosto.

Esta es una técnica de “regueros y embarrijos”, pero los resultados bien valen esa pequeña incomodidad.

Proyecto personal al final

Pero “la cereza del pastel” vino a darse en la última semana de agosto, pues empecé con un proyecto personal del cual les contaré en su debido momento.

©GinoBoschini2023

Pintando en la Estación del Ferrocarril al Pacífico.

El edificio de la Estación del Ferrocarril al Pacífico siempre ha sido muy significativo para mi, al grado de percibirle un aura casi mística, por eso desde el primer aviso que en Pintal íbamos a trabajar en un proyecto relacionado con el patrimonio ferroviario de Costa Rica, elegí pintar el vestíbulo de este edificio, pues su carga emocional se me hace fuerte, ya que me remite a los primeros años de mi vida. Su fachada es una máquina del tiempo y la idea de pasar varias horas pintando ahí era muy atractiva.

Me parece muy interesante esta imagen de Google Maps de la Estación del Ferrocarril al Pacífico.
Créditos de la imagen al pie de la foto.

Este inmueble fue diseñado por el arquitecto José Francisco Salazar Quesada (1892-1968). Su construcción se inició en la administración de León Cortés, para terminarse en la administración Calderón Guardia  (1940-1944) en 1941.

Sobre su estilo arquitectónico algunos textos afirman que es art déco, otras fuentes apuntan a que muestra influencia formal del movimiento racionalista funcionalista, con sus volúmenes puros, la ausencia de ornamentación añadida, la profusión de áreas en fachada cerradas con vidrio y, la utilización del vitro bloque como material de vanguardia en esa época, así como la construcción en concreto armado.

Tras conseguir los respectivos permisos para ingresar a la estación llegué a las 8:00 de la mañana de ese lunes. Di un breve recorrido por el vestíbulo y me ubiqué en un espacio que me ofrecía la visión más se ajustaba a la imagen que tenía más o menos construida mentalmente. Siempre supe que mi objetivo era pintar las escaleras.

Convenientemente encontré que este vestíbulo cuenta con estos asientos, que supongo son para que los pasajeros esperen. Yo no los recordaba, pero durante esa sesión ese asiento se desempeñò muy bien como taller provisional, para poner todas mis herramientas y materiales. Y obvio, para descansar por momentos.

Para realizar esta obra tenía la opción de tomar fotos del espacio y trabajar desde un principio con las fotos en la comodidad de mi estudio en mi casa. Pero yo quería sentir, vivir la atmósfera de esta estación. Es una estación viva, con gente que trabaja ahí y con usuarios que la utilizan como punto de partida y llegada a su destinos. Quería escuchar los sonidos de las máquinas, de los portones y la energía de la gente. Donde yo estaba podía ver el ir y venir de los pasajeros y al estar ubicado en ese punto tan visible, tuve la suerte de poder conversar con varios de los funcionarios que aquí trabajan.

Uno de los elementos más característicos de este espacio es su luz. Es una luz abundante, pero para mí tiene algo como fantasmagórico, que al reflejarse en los tonos gris-turquesa de las paredes, todo se ve luminoso pero mortecino a la vez, como con un blur tipo película de los años 70. Si están pensando que eso me encanta ¡sí! ¡tienen razón! porque le imprime aún más nostalgia a un edificio que por su función, su historia y su carga sentimental, ya es un símbolo de añoranza por tiempos pasados.

En algún momento me dio hambre, pero no tenía intención alguna de determe en mi tarea y mucho menos de salir a buscar una soda o algún negocio para comprar algo de comer. Afortunadamente, al portón de la estación se acercó un señor vendiendo cosas empaquetadas. Yo no soy muy dado a consumir ese tipo de comidas (siento que ese gustó se fue con la adolescencia) pero terminé comprándole unas papas tostadas.

Otro detalle hermoso que tiene este vestíbulo es su piso: su diseño, sus colores, y la idea de que alguna vez siendo un niño muy pequeño caminé sobre él con mis padres lo convierten en un espacio mágico. No puedo afirmar con seguridad que ese piso sea el original, pero por su diseño tiendo a querer creer que así. De todos modos la objetividad nunca ha sido lo mío. En la foto de abajo se aprecia un detalle de esas espectaculares escaleras que son un sello distintivo de la Estación al Pacífico.

Toda la mañana se me fue en trabajar las líneas base del dibujo. En una obra con una perspectiva tan compleja es mejor contar con el apoyo de esa líneas para evitar posteriores complicaciones de composición. Cuando llegó el momento de empezar a aplicar las primeras manchas de color, el cansancio ya se manifestaba. En esta sesión de pintura in situ, trabajé todo lo que pude hasta las dos y media de la tarde, aceptando que tendría que terminar la obra en mi estudio, con el apoyo de las fotografías que tomé.

Cuando ya comenzaba a recoger mis cosas, miré hacia las bancas que tenía al frente y vi una pequeña figura de pelo color café. No podía creerlo: ¡un gato! ¡una de mis obsesiones! Inmediatamente me acerqué a verlo. El animalito estaba comiendo alimento para gatos. En ese momento veo a una de las conserjes de la estación y le pregunto sobre este gatito. La señora, muy amablemente me contó que se trata de una gata a la que están cuidando los empleados de la estación, parece que está embarazada, entonces recogen fondos para alimentarla y cuidarla, cuando tenga a los gatitos, la llevarán a operar y de ser posible también a su cría cuando llegue el momento y tratarán de buscarles casa. Esa historia me conmovió profundamente porque estas personas que trabajan aquí no tienen la obligación de tomarse tantas molestias, sin embargo lo hacen y eso me parece digno de reconocerse. Es un acto noble, bueno y muy generoso que habla de la calidad humana de esta gente. Si todas las empresas contaran con personal así, creo que esta sociedad sería bastante mejor. Le pregunté a la señora el nombre de la gatita, me lo dijo pero yo cometí el error de no anotarlo, me atuve a mi memoria que es pésima. De regreso en mi casa, el único nombre que se venía a la mente era “Matilda”, y decidí dejarlo así. Por esa razón titulé a mi obra “Matilda”, al final de cuentas lo que menos importa es si la gatita se llama “Matilda”, “Lucy” o “Choupette” como la de Karl Lagerfeld. Lo que cuenta en toda esta historia es la acción de generosidad de los empleados de la Estación al Pacífico. Es un acto de amor y respeto por la vida que yo he querido reconocer y honrar con mi obra, incluyendo de manera muy sutil a “Matilda” en mi obra. Casi imperceptible, tal como la descubrí.

Después llegó el momento de volver a casa. Me sentía agotado pero muy feliz por haber pasado tanto tiempo en este lugar que recordaba mis primeros años de vida, cuando mis papás me llevaban en el mes de diciembre a ver el bello portal que instalaban en esta estación. Estar aquí también me hizo revivir la felicidad de jugar con mi recordado tren Marklin. Feliz también de haber conocido a “Matilda”, un animalito que en otras circunstancias la estaría pasando muy mal, pero gracias a un grupo de empleados de esta estación tiene la esperanza de una vida mejor.

Aproveché para tomar un par de fotos del exterior de la Estación al Pacífico. No deja de asombrarme la inexplicable fascinación que ejercen los trenes y las estaciones en nosotros, los costarricenses.

No sé si esta entrada llegará a ser leída por funcionarios de la Estación del Ferrocarril al Pacífico, pero quiero agradecerle a todo este personal por su trabajo, pues considero que su servicio  es esencial para el desarrollo de nuestro país.

©GinoBoschini2023

 

 

Del paisaje a la foto, de la foto a la pintura, de la pintura al alma.

Hace algunos años, mi hija Ana me envió por Whatsapp una bellísima foto de la vieja estación de trenes de Balsa con la intención de que algún día yo hiciera una pintura basándome en esa foto. Siempre he admirado el gran talento de Ana para tomar fotografías: siempre me transmiten emociones, me generan muchas reacciones y dan pie a muchas lecturas. Sus fotos aportan buen material para otras reinterpretaciones en distintas áreas de las artes visuales, especialmente las que tienen una atmósfera evocativa muy marcada. Esta foto en particular, me pareció muy atractiva no sólo por el ángulo tan dramático con que capturó el viejo edificio de la estación, o por los colores terrosos y secos del verano en las zonas más calientes del país, además la luz que parecía indicar la proximidad del atardecer le aportaba un aura de irrealidad y tal vez de soledad, que inmediatamente me remitió al pasaje final de la novela Marcos Ramírez que publicó Carlos Luis Fallas en 1952.

 

Carlos Luis Fallas con un inserto de la undécima edición en español de su novela Marcos Ramírez, con fecha abril 1978 publicada por Librería, Imprenta y Litografía Lehmann. La foto de Carlos Luis Fallas es de https://elespiritudel48.org/carlos-luis-fallas-sibaja/

En ese momento de la novela, Marcos pasa unas horas de terror y miedo, durante una solitaria noche de tormenta en la pequeña estación de Santo Domingo. La primera vez que leí esta parte de la novela fue en un libro de texto en la escuela primaria. Quedé fascinado con esa espeluznante narración que iba in crescendo, hasta que Marcos logra armarse de valor y vence sus temores atávicos, sembrados en él por la ignorancia y la religión de los adultos que lo rodeaban. Al sentirse liberado y empoderado Marcos deja de ser un niño y empieza su ruta para convertirse en un hombre. Es una narración hermosa y fuerte dentro de su aparente inocencia.

Cuando vi la foto que me cedió Ana, me imaginé que así debía ser la estación donde Marcos Ramírez tuvo su momento de decisión, de ruptura con las ataduras y la dependencia de la niñez. Amé esa foto, pero en el momento no sentí esa chispa que me llevara a iniciar la pintura. Pasó el tiempo y lo más que hacía eran bocetos en distintas técnicas, pero algo me decía que no era el momento.

Estos son los bocetos que aún conservo.

Ese momento llegó varios meses atrás, cuando Doreen Bákit, directora de Pintal, nos habló de un futuro proyecto que rescataba la importancia del patrimonio ferroviario de Costa Rica. Se trabajarían trenes, puentes y estaciones. Los trenes me gustan mucho, pero no para pintarlos o dibujarlos (no me atrae pintar máquinas o vehículos). Los puentes ferroviarios son interesantísimos, especialmente si están viejos, deteriorados y oxidados. Pero lo que inmediatamente me movió el deseo de pintar fueron las estaciones. Era el momento de trabajar con la foto de la estación de Balsa.

Para mi las estaciones de tren guardan en sí una cierta nostalgia o melancolía que las vuelve espacios indefinidos, liminales donde puedo estar despidiendo o recibiendo, llegando o partiendo, de paso o en sentido permanente. Puede que esta percepción que tengo de las estaciones de tren esté permeada por el cine y la literatura y siento que los muelles, puertos y atracaderos también comparten esa magia, ese aura de estado intermedio casi surrealista. Curiosamente no experimento esa sensación con los aeropuertos: se me hacen fríos, carentes de ese romanticismo que me proyectan las estaciones de tren y los puertos.

Cuando por fin empecé con mi pintura de la estación de Balsa, asumí la obra como un proceso personal, nunca sobredimensioné la realidad de que habría curaduría para la exposición. Lo que movía era proyectar en la obra la resequedad de los últimos días del verano, darme gusto retratando el paso del tiempo en el edificio y por supuesto disfruté imaginando los intensos momentos de esa especie de eclosión que pasó Marcos Ramírez en la estación de Santo Domingo.

Iniciando el trabajo de esta obra.

En la foto originalmente hay más vegetación, tanto en el primer plano, como en el plano del fondo, pero yo preferí reducir al máximo ese elemento para darle todo el protagonismo al edificio. Por eso le eliminé las hojas al árbol en las pocas ramas que presento y los árboles del fondo son apenas insinuados y difusos, para reforzar en la obra esa idea de la transición. Una transición que a veces se vive en soledad y a veces puede doler, pero una transición es un cambio y los cambios son parte de la vida. Vamos y venimos como cuando transitamos por una estación de tren.

 

©GinoBoschini2023

Una orquídea de apariencia fantasmal

En este mes de marzo 2023 el Jardín Botánico Lankester se encuentra cincuenta años de existencia, por este motivo invitó al colectivo Pintal, Pintores al Aire Libre de Costa Rica a presentar una exposición con tema de orquídeas en el Centro de la Cultura Cartaginesa

Doreen Bákit, directora de Pintal dando el discurso inaugural de la exposición. Foto de Ingrid Sánchez.

 

Otro momento de la inauguración. Foto tomada del chat de Pintal.

 

Foto cortesía de Doreen Bákit.

 

Público asistente a la inauguración. Foto de Doreen Bákit.

El título de esta exposición es “Orquídeas en Costa Rica en Peligro de Extinción” pues se busca informar y concientizar al público sobre esa situación tan delicada y que muchos desconocemos. Entre estas obras se encuentra mi trabajo en acrílico “Apariencia Fantasmal” (2022)  que pinté in situ en el vivero de orquídeas del Jardín Lankester.

Apariencia fantasmal
©GinoBoschini2022
Acrílico
60 x 60 cm
2022
$150.00

Visitar el Jardín Lankester siempre es toda una celebración de vida y belleza natural y si se trata de ir a pintar ahí algunos de sus espacios o plantas las opciones son muchas. El día que fui a trabajar en mi obra, al principio me empecé a sentir un poco abrumado ante tanta belleza, pero después de hacer un recorrido meditando cuál orquídea me atraía más, escogí la Mormodes Fractiflexa.

Esta especie de orquídea me llamó muchísimo la atención por la forma y el color de sus flores. Yo no tenía ningún deseo de pintar orquídeas color fucsia o blancas, por lo que el color café, casi vino  de hermosas flores me ayudó a tomar la decisión. Interesante también como el color de estas flores parecía cambiar según la cambiaba la luz a lo largo de la sesión de pintura.

Como no sé nada de orquídeas, busqué algo de información en la red para conocer un poquito más a mi modelo y aquí les comparto lo que encontré:

Mormodes es un género de orquídeas originario de Centroamérica que cuenta más de setenta especies epífitas (se refiere a cualquier planta que crece sobre otro vegetal u objeto usándolo solamente como soporte, pero que no lo parasita nutricionalmente) o litófitas (son plantas que crecen en asociación conrocas) de la tribu Cymbidieae. En biología, se entiende por tribu a una clasificación taxonómica optativa intermedia entre la familia y el género, empleada para organizar las familias que contienen muchos miembros.

Distribución de la Mormodes Fractiflexa

 

Según la información encontrada en Kew de Royal Botanic Gardens el rango de esta especie es de Costa Rica a Panamá y crece principalmente en el bioma tropical húmedo. Un bioma es un grupo de ecosistemas que comparten características como el clima, la vegetación y la fauna.

Tienen pseudobulbos (órgano de almacenamiento que deriva de parte de un tallo entre dos nódulos de hojas) carnosos, oblongos y en anillo, muy similares, con varias hojas dísticas, esto es disposición en dos filas verticales opuestas, generalmente caducas, osea las hojas se caen durante parte del año, estrechas, con nervios y herbáceas. La inflorescencia ( disposición de las flores sobre las ramas o la extremidad del tallo) se produce a partir de las yemas en el lado los pseudobulbos.

 

 

Las flores son muy vistosas, y de diferentes colores, rojo, vino oscuro, naranja, rosa o amarillo, manchado o no. El sépalo dorsal algo arqueado sobre la columna. El sépalo es una pieza floral que forma el cáliz de una flor de una planta angiosperma (este término se refiere a las plantas que dan flores). Los pétalos más amplios y arqueados sobre la columna o en posición vertical. El labio es trilobulado, formando una especie de túnel, que se adjunta a la base de la columna, que no tiene pie, o alas. Esta está siempre torcida a un lado. La antera, que es la parte terminal del estambre de una flor, con forma de saco pequeño donde se produce y se guarda el polen; contiene dos polinias (masas coherentes de granos de polen) rara vez cuatro.

Este género se propuso por el paleontólogo, naturalista y botánico británico John Lindley conocido como “el padre de la orquideología” en A Natural System of Botany 446′, en 1836.

El nombre de este género indica que sus flores tienen apariencia fantasmal. Este nombre fue colectado por H.G. Reichenbach, un ornitólogo, botánico, pteridólogo y conocido orquideólogo alemán del siglo XIX. Fue el responsable de identificar, describir y clasificar miles de nuevas orquídeas descubiertas por todo el mundo y que fueron enviadas a Europa, llegando así a ser el sucesor de Lindley como autoridad indiscutible en el conocimiento de las orquídeas. La primera vez que se publicó este nombre fue en 1872 en la publicación especializada en horticultura Gardener’s Chronicle de Londres.

 

Espero que después de leer esta entrada nazca en ustedes el deseo de acercarse al mágico mundo de las orquídeas.

©GinoBoschini2023

 

Fuentes consultadas:

https://es.wikipedia.org/wiki/Mormodes

https://powo.science.kew.org/taxon/644959-1?_gl=1*hl6jgp*_ga*MTQ5MzI1OTU1NS4xNjc4ODQ4MzA4*_ga_ZVV2HHW7P6*MTY3ODg0ODMwNy4xLjEuMTY3ODg1MDMwNS4wLjAuMA

https://www.ipni.org/n/644959-1

 

 

Un fin de semana viviendo el arte. Parte II: Museo Cultura Popular UNA

El domingo 27 se inauguró la exposición “Barva La vida de antaño” de nuestro colectivo Pintal Pintores al Aire Libre de Costa Rica en el Museo de Cultura Popular, UNA en Barva de Heredia. El espacio donde se ubica este hermoso museo fue propiedad del expresidente Alfredo González Flores. A lo largo de varios meses, … Leer más

Un fin de semana viviendo el arte. Parte I: Escuela La Joya

Los pasados sábado  26 y domingo 27 de noviembre fueron días de mucho movimiento y actividad pues tuve que cumplir con dos compromisos adquiridos con mucha antelación y en ambos casos fue realmente gratificante participar en ambas actividades. La Escuela La Joya invitó a Pintal, Pintores al Aire Libre a ser parte de las actividades … Leer más

Pintal de aniversario

El logo original de Pintal fue diseñado por el artista Carlos Arroyo, quien también ha diseñado este logo conmemorativo del quinto aniversario de Pintal.

 

Fue en el año 2018 que entré activamente al mundo del arte de la mano de Pintal, Pintores al Aire Libre de Costa Rica   gracias a la oportunidad que me dio su directora Doreen Bákit de integrarme a este colectivo que ha venido a ser parte medular de mi evolución como artista y también como persona. En cada proyecto que convoca Pintal, hay nuevos retos que nos hacen crecer y mejorar a quienes participamos en esos proyectos. Sonará cliché, pero en cierto modo nuestro colectivo es una especie de familia por elección, pues el trabajo artístico continuo nos une estrechamente, acercando no sólo nuestro quehacer artístico sino nuestras vidas.

 

 

Les comparto a continuación un resumen de la historia de Pintal, tomado de un texto que me pasó Doreen:

PINTAL comenzó en una reunión de artistas en agosto del 2017 que fueron a pintar a la Casa del Café en Heredia, fue en esa salida que este grupo decidió conformar un colectivo dedicado a la pintura al aire libre para fomentar la tradición que inició en Costa Rica a principios del siglo XX con artistas como Ezequiel Jiménez  y otros pintores de grupos de la Generación Nacionalista y La Nueva Sensibilidad: Fausto Pacheco, Teodorico Quirós y Margarita Bertheau. Se nombró al colectivo Pintores al Aire Libre de Costa Rica, por sus siglas PINTAL CR. En un principio eran veinticinco artistas y  actualmente podemos ser un poco más de ochenta.
A partir de ahí hemos generado actividades de diversa índole. PINTAL trabaja por proyecto,
normalmente se selecciona un tema, luego se construye la parte teórica y conceptual de ese tema, además hay un reforzamiento de la parte técnica con talleres de maestros que son miembros del mismo grupo.

Taller en el Museo de la Carreta impartido por el maestro Juan Carlos Camacho para el proyecto “Adobe y Café” (2018-2019).

Después se coordinan las fechas para ir a pintar al lugar y se solicita el espacio expositivo.
Las iniciativas de los miembros siempre son analizadas para ver su viabilidad y convergencia con los
objetivos del grupo para poder realizarlos.
En la página de Facebook se publica la memoria fotográfica de actividades y obras que se
dieron como producto del proyecto realizado.
El grupo administrativo está confirmado por Doreen Bákit , Margarita Madrigal ,
Gabriela Ureña , Johnny Arroyo  y Marta Yglesias.

 

Visita guiada de Patrizia Gallo para su exposición Gato Mix.

Como les comenté al principio, yo ingresé a Pintal en el 2018. Todo se dio porque para mediados de ese año, yo tenía un blog de gatos y me enteré que la artista Patrizia Gallo  estaba presentando una exposición de pinturas llamada Gato Mix, la contacté y ella me invitó a una visita guiada en el Centro de Investigación y Conservación del Patrimonio Cultural, donde estaba su muestra. Mientras que llegaba el momento de la charla, Patrizia me preguntó si quería pintar con los artistas de Pintal que estaban ahí en una actividad de intercambio de tarjetas de artista. Me presentó con Doreen y ella a su vez me introdujo a los integrantes que se encontraban ahí esa noche del Art City Tour de julio 2018.

Estas son las tarjetas de artista que recibí esa noche ¡Un detalle lindísimo!

 

Me dieron materiales para pintar mis tarjetas mientras conversaba con Doreen. A pesar de que me costó un poco empezar a pintar; fueron la calidez del grupo y el saberme en un centro cultural importante, en noche del Art City Tour y con materiales de arte, los factores que me hicieron un clic inmediato y me sentí como pez en el agua.

 

 

 

Conversando con Doreen Bákit.

Al terminar la actividad ya le estaba preguntando a Doreen cuáles eran los requisitos para integrarme al colectivo.

 

 

 

 

 

 

Llegó mi primera salida para el proyecto Adobe y Café. No sé si a todo el mundo le ha pasado, pero cuando nunca se ha pintado al aire libre da mucho susto esa primera  vez.  Es una dinámica completamente diferente a pintar en la comodidad del taller y uno descubre eso sólo viviéndolo, o sea sobre la marcha.

En el Museo de la Carreta. Foto tomada por Ligia Arroyo.

Fuimos al Museo de la Carreta y el Campesino Costarricense en Desamparados.

A pesar de encontrarme en proceso de adaptación al grupo,era muy estimulante el estar en ese bonito lugar en compañía de estos excelentes artistas.

Foto del grupo en el Museo de la Carreta. No recuerdo quién tomó la foto.

Con los aires de diciembre vino un proyecto de pintar espacios del Mercado Central de San José.

En el Mercado Central pinté este acrílico con elementos navideños “Lleve el 39“.

 

Esa fue una experiencia que terminó de desaparecer mi zona de confort: jamás me habría imaginado años antes que yo pasaría cinco horas pintando en público en unos de los lugares más ruidosos y caóticos que existen. Recuerdo que donde yo estaba sentado, cerca de una de las entradas de la calle al edificio, a la par del portal, en un momento dado había música a todo volumen que venía de tres fuentes distintas. Eso sin mencionar el movimiento constante de gente. Un mundo totalmente ajeno a mi rutina.

 

 

 

 

En enero 2019 se retomaron las salidas para este proyecto de Adobe y Café.

Pintando en el Museo de Cultura Popular en Heredia. Foto de Ligia Arroyo.

Yo tuve la oportunidad de ir al Museo de Cultura Popular en Santa Lucía de Heredia y también a la Casa Rosada en San José.

Los cuadros que pintamos en la Casa Rosada.
Ahí pinté la acuarela “Sombras en el piso“. En esta foto vemos esa obra exponiéndose en la antigua Galería Talentum.

 

 

 

 

 

 

 

 

Fue en esos primeros meses del año que participé con Pintal para el festival Amón Cultural, una actividad que se realiza todos los años para el rescate de valores y del espacio de los barrios Amón y Otoya.

Pintando en el Parque Bólivar para Amón Cultural 2019.
Trabajando en la obra que se incluiría en el Libro Arte de Amón Cultural 2019.

En las semanas previas al festival nuestro grupo se dedica a pintar en las calles de estos barrios para presentar una exposición del trabajo realizado en la Casa Cultural del Tecnológico de Costa Rica (TEC). Cada año la temática a desarrollar es diferente, lo que nos hace ver los espacios conocidos con ojos renovados para plasmar esa percepción alternativa y fresca en nuestras obras.

En el Parque Bólivar pinté el acrílico “Libertad” para Amón Cultural 2019.
Pasado, presente” acrílico pintado in situ en la casa Quirós Huete de Barrio Amón en el año 2020.

Llegó el mes de febrero 2020 y fuimos invitados por Karen Clachar de Artflow Galería a pintar en Avenida Escazú.  Mi obra tuvo como referencia la enorme escultura “Big Foot” del artista francoisraelí, Idan Zareski.

Fotos por Ana Boschini y Luisa Valerín.

Un fin de semana de verano espectacular fue el marco perfecto para una  actividad hermosa y vibrante, llena de vida que en nada se parecería a lo que vino un mes después: la pandemia del Covid con todas las complicaciones y situaciones inesperadas que implicó.

 

 

 

 

 

Pero ni aún la pandemia hizo que Pintal cayera en la inactividad o en la apatía: valiéndonos de la virtualidad, seguimos produciendo al tomar una serie de retos artísticos como asidero no sólo para la práctica de la pintura, sino también como un recurso emocional para mantener en alto la moral del grupo.

Esta obra la pinté en el jardín de mi casa para uno de los retos virtuales de Pintal: aplicar el método comparativo en pintura (sight-size) en junio 2021.

Logramos así obras diferentes de gran calidad  que se desempeñaron como un ejercicio regular que aportó muchos beneficios para los integrantes del colectivo. No sólo contamos con estos retos, también tuvimos talleres, charlas y exposiciones virtuales que a lo largo de la pandemia nos ayudaron a ir haciendo el tan esperado regreso a la presencialidad. Poco a poco, en el 2021 volvimos a reunirnos y a disfrutar del arte juntos,  siempre respetando los protocolos de salud vigentes en el  momento.

Ahora en el 2022 llevamos ya varias exposiciones presenciales y salidas a pintar a diferentes lugares como el Jardín Botánico Lankester o el III Festival Internacional de Poesía Turrialba 2022.

Empezando la sesión de pintura in situ en el bellísimo Jardín Botánico Lankester.
Apariencia fantasmal” fue como titulé este acrílico pintado en Lankester.
Pintando en el parque central de Turrialba la obra en acrílico “La Siesta“. Gracias Esther Monge por tomarme foto mientras pintaba.
En las afueras del estadio Colleya Fonseca de Goicoechea tuvimos una actividad de pintura al aire libre donde pinté el acrílico “La casa anaranjada“, reconozco que me gusta mucho esta obra.

Actualmente nos encontramos trabajando en varios proyectos como el de Barva de Heredia y del que pronto les tendré más detalles.

Es así como llegamos a agosto, el mes de aniversario de Pintal y para contribuir a la alegría de cumplir cinco años de maravillosas experiencias, recibimos hace poco la gratísima noticia de que nuestro colectivo ha sido galardonado con el  Premio Internacional Princesa Luyari 2022, otorgado por la Fundación Rincones Arte Internacional desde Colombia.

Nominación oficial de Pintal al Premio Internacional Princesa Luyari 2022 (Foto del Facebook de Fundación Para la Promoción Artística y Cultural Rinconesarte Internacional)
Publicación comunicando que Pintal es uno de los ganadores del Premio Internacional Princesa Luyari 2022. Nuestro logo está arriba en la esquina derecha. (Foto del Facebook de Fundación Para la Promoción Artística y Cultural Rinconesarte Internacional)

¿Cuáles nuevas sorpresas nos traerá el futuro? ¿Cuántas buenas noticias vendrán? ¿Adónde nos llevarán nuestros pasos que caminan por la ruta del arte?  En Pintal seguimos disfrutando de las grandes satisfacciones que nos da la labor artística, pues el arte es una de expresiones más sublimes de la humanidad.

Para terminar, tal vez algunos se preguntan por qué dedico tanto espacio en mi blog y en mi sitio a Pintal… la respuesta es simple: por agradecimiento, por un profundo y sincero agradecimiento a este grupo de grandes artistas que me han recibido con los brazos abiertos, haciéndome valorar la fuerza del cariño y el sentido de pertenencia cuando se comparte el amor a lo que nos une: el arte. Gracias a esa invitación que me hicieron Doreen Bákit y Patrizia Gallo en aquel Art City Tour de julio 2018, he entrado por una puerta que me ha llevado

a conocer muchísima gente maravillosa, otros colectivos como MerchArt y Optimun Artis Internacional con los que también trabajo y me hacen superarme en cada convocatoria y a los que pronto dedicaré sus respectivas entradas en este blog.  Desde que entré a Pintal he alcanzado metas y objetivos que antes ni siquiera consideraba. Es más, el estar escribiendo estas palabras no fue algo que yo imaginara realizar hace cuatro años.  De una vez les cuento que espero pronto poder comunicarles la noticia de mi primera exposición individual. No tengo idea de cuándo, ni dónde, pero es un proyecto en el que me encuentro trabajando.

Foto cortesía de Doreen Bákit.

Por todo lo vivido, por lo presente y por las aventuras y éxitos del mañana ¡muchas gracias Pintal y feliz quinto aniversario!

©GinoBoschini2022