Gino Boschini

Dando nueva vida a una camisa

Hace unos años, para una Navidad uno de mis primos me regaló una camisa blanca lindísima: tanto el diseño, como la tela y la confección me parecían perfectas. Además siento una especial atracción por las camisas blancas, así que fue un regalo que disfruté muchísimo por bastantes años. Pero nada es eterno, y el año pasado noté con pesar, que si bien el tejido y la textura de la camisa, seguían tan bien como siempre, su color sí manifestaba el paso de los años.

Aquí se ve muy blanca, pero en realidad ya parecía amarillenta.

La primera intención fue desechar mi querida camisa. Pero al comprobar que con excepción del color, la camisa estaba buena, empecé a pensar cómo resucitarla. Se me ocurrió pintarla con acrílico -de todos modos, ya no había mucho que perder.

Quería pintar una escena bíblica, me decidí por un tema recurrente en mi: el mito de Salomé. Puse manos a la obra y comencé a trabajar el fondo en color morado. Rápidamente tuve que aceptar que no iba a ser una tarea fácil, pues quería tapar con pintura la totalidad del blanco.  Pintaba un día sí y otro no. 

El avance era lento y se me hacía tedioso, al punto que la camisa que ahora empezaba a tornarse morada, pasaba más tiempo guardada que en la mesa de trabajo.

Pasó el 2023 y cuando por fin empezó el 2024,  el estado de la camisa no había avanzado mucho. En eso empezaron los preparativos para el festival Transitarte, a mediados de marzo de este año. Al encontrarnos en Cuaresma, se me hizo propicio estrenar mi camisa con tema de Salomé, pues por ser Transitarte un evento multitudinario, consideré ideal usar algo muy llamativo para estar acorde con lo colorido de la actividad.

Retomé la obra y al estar ahora con el tiempo más limitado, las sesiones de pintura se volvieron más pesadas. Pero no importaba, yo quería lucirla en el festival. Al concluir de aplicar el color morado del fondo, ya sentía que había progresado y ahora venía la parte más divertida que era pintar a los personajes.

El mito de Salomé es una escabrosa historia muy bizarra: violencia, sexo, política y religión se mezclan hasta terminar en la muerte del profeta Juan El Bautista. Mi primer impulso fue pintar la escena con un erotismo fuerte y explícito, pero si la iba a usar en Transitarte, tal vez esa idea no era tan acertada, pues esa actividad es de índole familiar, por lo que me incliné por bajar el tono lascivo de esa historia.

Titulé este color como "morado penitencia"
Este es el "rojo flagelo"

La que una vez fue una de mis camisas blancas más queridas, pasó a ser un soporte para una obra de arte usable. Su lectura empieza de derecha a izquierda con la figura de Herodías, la madre de Salomé que mueve todas sus influencias para conseguir la muerte del profeta, aún a costa de la dignidad de su hija. Seguidamente el rey Herodes, representado como una estatua verde (el uso de este color es una alusión al término “viejo verde” o sea un anciano erotizado que gusta de mujeres muy jóvenes) ofrece en una bandeja de plata la cabeza de Juan El Bautista a Salomé, su hijastra, quién es representada con siete velos, los colores de cada velo tienen un significado, así como lo tiene la parte del cuerpo donde se coloca cada velo.

La reina Herodías
El rey Herodes Antipas
La cabeza de Juan El Bautista sobre la bandeja de plata, tal como lo dicta la iconografía, para reconocer que la obra que vemos trata el tema de Salomé.
La princesa Salomé
Escena completa de Salomé recibiendo la cabeza de Juan El Bautista servida en bandeja de plata, por las manos de Herodes.

Estrené la camisa el viernes 15 de marzo, el primer día del Festival pues iba a estar en el Parque Nacional pintando con mis compañeros de Pintal.

Me gustó la nueva textura que adquirió la camisa. La tela es de algodón, pero al cargar tantas capas de pintura acrílica, ahora se siente como entre cuero y plástico y el olor del acrílico es muy agradable. Temía que fuera a resultar muy caliente, pero no fue así, sigue siendo una prenda cómoda de usar.

Ese día terminé in situ una vista parcial del Monumento Nacional de Costa Rica, del francés Louis-Robert Carrier -Belleuse. Monumento ©GinoBoschini2024 Acrílico 30 x 40 cm 2024

Ahora quiero compartirles videos de algunas versiones de películas que presentan el baile de Salomé:

Empezamos con “Salome” de 1922-23, una película muda dirigida por Charles Bryant y Alla Nazimova, quien también era productora y protagonista de la película. Esta versión se basa en la tragedia publicada por Oscar Wilde en 1891 y que fue ilustrada por el gran artista Aubrey Beardsley.

En el cine mi versión favorita es la de mi adorada Rita Hayworth, del año 1953 y la dirige William Dieterle. Una delicia de cine kitsch, representativa del Hollywood de la época de oro, con un reparto rutilante, en el que la costosa producción pasa por alto toda rigurosidad histórica.

Para 1961, se estrena otra superproducción de tema épico bíblico: “Rey de Reyes” (Nicholas Ray), aparte de ser una muy buena película, tiene una banda sonora bellísima de Miklós Rózsa (el mismo de la música de “Quo Vadis” y “Ben Hur“). En esta versión Salomé es interpretada por la actriz estadounidense Brigid Bazlen.

Para terminar esta entrada, les comparto una canción del grupo irlandés U2 llamada “Salome” (obviamente). La versión original es muy buena, pero la que me fascina es esta mezcla conocida como el Zooromancer remix:

Dos obras de temática nocturna

Cuando Irene Antillon, directora de MerchArt, me comentó que estaba organizando una exposicíón dedicada a la noche, inmediatemente le dije que quería participar, pues este tema siempre me ha impactado con mucha fuerza.

Desde muy niño la noche se me hacía atractiva e interesante, luego de adolescente y de adulto la noche era para mi el momento perfecto del día porque lo relacionaba directamente con el tiempo libre, con los placeres de la vida y  con lo prohibido.

Ahora ya en mi ruta a ser un adulto mayor, la noche para mi es sólo para el descanso, para disfrutar de la paz y la serenidad de mi hogar, de mi nido.

Para esta exposición decidí  presentar dos obras: una inédita y otra que ya ha sido expuesta en el pasado , pero es uno de mis trabajos artísticos favoritos.

Luces, vida y oscuridad  es un acrílico sobre lienzo de 60 x 60 cms, que he producido especialmente para presentar en esta exposición.

Después de considerar varias posibilidades de lenguaje plástico, de tratamiento del tema, me incliné por aventurarme en el campo de la abstracción, sin dejar del todo lo figurativo. De un tiempo a la fecha, la abstracción se me hace cada vez más atractiva, es como un territorio caótico y exhuberante que me invita a explorarlo. No he logrado definir si es por el alto nivel de dificultad que tiene o si es por esa sensación de libertad que guarda. Para mi es todo un reto, porque no se trata de manchar por manchar a lo loco. Es preciso que exista un concepto, una intencionalidad y una idea a la hora de trabajar los materiales. Este respaldo conceptual se manifiesta a la hora de explicar la obra. Es un sustento a lo que de otra manera puede parecer un pandemonium de colores, texturas y manchas.

En mi percepción de la noche los instintos más fuertes tienden a cobrar relevancia en nuestro ser. Lo subjetivo le gana terreno a lo objetivo. Lo carnal se alimenta de la oscuridad y de la penumbra, pues en mi visión del mundo la luz del día se presta más para lo espiritual. Lo dionisíaco prima sobre lo apolíneo después de que el sol se pone.

Es por esa razón que en el primer plano de esta obra he puesto el elemento figurativo de la composición:

Este grupo de figuras en silueta representa seres humanos en lo que podríamos llamar una orgía. Es un recurso visual que he utilizado para sintetizar la fuerza de los instintos que  en la noche se experimentan con mayor intensidad. Es la pulsión de la vida: los seres vivos buscamos juntarnos, acoplarnos, copular, reproducirnos de alguna manera. Es la ley de la naturaleza. No siempre se tiene conciencia de esa necesidad tan básica y tan primitiva, pero ahí está siempre, por más que las normativas creadas por el hombre para controlar nuestro lado más animal,  traten de poner límite a los instintos más bajos. No es que en el día no se den situaciones derivadas de nuestros apetitos carnales, sino que en la noche hay una cierta permisividad y tendencia a satisfacer aquellos deseos que más nos placen.

No quise hacer muy evidente el erotismo de estas imágenes, porque en ese caso lo que llamaría la atención de la obra sería la desnudez y el sexo explícito. En este caso no se trata de eso. Preferí algo de sutileza en el tratamiento de estas figuras.

Dado que el tema principal de la obra es la noche, me interesó el juego de las luces y las sombras para aplicarlo en estas figuras. Recordé que hace muchos años, por ahí de 1975 vi en un períodico un reportaje de un grupo de danza o de teatro que en su presentación se valía de proyecciones de luces y sombras que formaban una especie de estampado de cuadros en los cuerpos de los actores. Era fascinante y en estas figuras traté de replicar ese efecto para dar la idea de profundidad y movimiento en estos personajes. Lamentablemente no he podido recordar el nombre de áquel grupo teatral, ni de qué país era.

La obra tiene por título “Luces, vida y oscuridad”. Suele relacionarse la oscuridad, la ausencia de luz con la ausencia de vida, o sea la muerte. Es frecuente que pensemos que los hechos más fatales suceden en la noche, esto es porque nos sentimos menos fuertes y más desprotegidos cuando el sol se ha ido. Nos asusta el no ver bien, no reconocer los detalles de nuestro entorno. Pienso que de ahí viene esa construcción oscuridad-muerte. En la siguiente imagen les comparto el detalle de las figuras que representan esa idea de la muerte en la noche. Son tres mujeres que parecen ser parte de la orgía, pero no es así. Están sufriendo los estertores de la agonía previa a su partida a otra dimensión, de ahí que son las figuras que tienen menos color:

Tras estas figuras viene un segundo plano en el que unas manchas de colores asociados a la luz representan ese recurso vital para el ser humano.

Estás manchas situadas en la parte central del cuadro son una referencia  a las luces artificiales que son indispensables en el mundo “civilizado”. Por lo menos para mí es impensable no contar con luz eléctrica, especialmente en la noche.

Mezclado con las luces anteriores, está este grupo de luces que van hacia la derecha y hacia arriba. Son una alusión a las luces naturales que ahora coexisten con las luces creadas por el hombre. La noche no es oscuridad absoluta, también tiene su forma particular de luz natural: estrellas, la luna, la bioluminescencia.

En la imagen superior vemos en un tercer plano unas formas geométricas muy difusas y oscuras que actúan aquí como una alusión a la ciudad en horas de la noche. La ciudad siempre ha sido para mi una constante, tanto de día como de noche.  En el pasado la ciudad en horas nocturnas me hechizaba y ahora por lo contrario es sólo un espacio por el que transito. Actualmente para mi salir de noche es lo más alejado que hay de mi idea de lo placentero. Por eso esta ciudad que represento aquí no se ve iluminada, está durmiendo. 

Para terminar con esta primera obra, les comparto este detalle del fondo. Un fondo rotundo, negro y profundo. Generado a partir de la combinación de varios tonos de negro. Intencionalmente dejé un espacio grande en este color negro para resaltar el peso que tiene en nuestra vida la noche. Esa ausencia de luz  que es imposible de omitir o ignorar.

Mi segunda obra para esta exposición es un ácrilico sobre madera titulado 3:00 A.M.

En la sección de exposiciones colectivas 2023 aquí en mi website, les comento que esta es una de mis obras favoritas, le tengo un cariño enorme porque representa una parte muy profunda de mis memorias de mis años de juventud. Yo adoraba salir de noche, y entre más intensas las noches de fiesta, más feliz creía ser. Digo que creía ser porque ahora no recuerdo bien qué era lo que tanto me divertía entonces de tanta “vida nocturna”. El punto es que le puse ese título a esta obra porque puedo dar fe de que a las tres de la mañana en la calle, nadie se ve tan bien como cuando salió de la casa temprano en la noche. Todo esmero en el arreglo personal, todo esfuerzo por lucirse con gracia y estilo, a esas horas se diluye. Ya la ropa está ajada, desarmada, el pelo ya ha dejado su perfección de temprano y la cara se ha vuelto una máscara, un rostro deforme que habla de todo el maltrato que se le ha infringido al organismo. Esa idea de las caras que se transforman en máscaras es lo que expone esta obra.

Trabajar este formato es bastante dificil por lo angosto, por lo que fue bastante retador pintar tantas cabezas en ese espacio; sin embargo, eso contribuyó al concepto de la obra pues remite a la aglomerción, al hacinamiento temporal que a veces se experimenta en centros de vida social nocturna.

Otra cosa muy díficil de lograr  con este formato es una buena foto de la obra. Para que la tabla salga completa, hay que alejarse bastante para conseguir la toma. Por lo menos con la cámara de mi teléfono es bastante díficil.

La Cuaresma y algunas supersticiones

No soy una persona religiosa. No me gusta que se quiera condicionar mi naturaleza humana con la posibilidad de un premio (el Cielo) o un castigo el Infierno). No me agradan las agrupaciones religiosas, ni los dogmas, ni nada relacionado con esa prácticas en que la fe y la espiritualidad se manipulan para incidir en la conducta de la gente. Esta es mi visión personal, tal vez no sea la correcta pero es la manera en que yo rijo mi vida.

A pesar de no tener creencias religiosas, hay mucho en toda esa cosmovisión que me parece muy interesante y más aún cuando esa ideología se manifiesta en las artes.

Desde una perspectiva cultural y artística ciertas festividades religiosas se me hacen un material muy atractivo para darles lectura y representarlos visualmente: la Navidad es todo un estímulo para la creatividad. La Cuaresma y la Semana Santa son otro elemento muy rico para generar arte tanto en música como cine o pintura y escultura.

Este miércoles 22 de febrero 2023, inicia el período de Cuaresma en el mundo. Dedicada a esa festividad, escribo esta entrada y les comparto algunas de mis obras alusivas al tema.

En mi casa hay una bellísima Biblia católica de 1958 que perteneció a mi mamá. Es de esas ediciones enormes y pesadas, con cubierta de cuero y trae unas ilustraciones maravillosas. Un libro imponente sin duda, que en mi infancia era casi prohibido manejar con ligereza. A esta fuente recurro cuando necesito información de calidad sobre estos temas religiosos. Esta vez consulté el diccionario católico que se incluye (junto con otro montón de apéndices y material accesorio que hacen de esta Biblia una elemento de consulta muy rico) para buscar la definición de Cuaresma y dice así:

Cuaresma. Período anual de cuarenta días que precede a la fiesta de Pascua. Fue instituida por la Iglesia para la oración, el ayuno y la penitencia. En esta solemne temporada se invitan los fieles a renovar sus corazones, a mortificar sus apetitos y a elevar su vida espiritual imitando el retiro de Jesús en el el desierto, y contemplando los misterios de su pasión.”

En esa definición hay palabras que no me calzan porque me parece que están reñidas con lo natural: ayuno, penitencia, mortificar apetitos. Me saca de base ese culto al sufrimiento y la limitación. Pero en fin, mientras que yo no sea el que mortifica sus apetitos, no me importan si la humanidad entera lo hace. Esa ida de la abstinencia como expresión de la fe, siempre me ha intrigado muchísimo porque me cuesta entender que la gente tenga esas prácticas. Supongo que saben algo que yo desconozco y la verdad que prefiero no saber.

Dentro de toda esa observación de la vida espiritual y apropiada conducta religiosa durante la Cuaresma hay un cierto sincretismo con la superstición, con creencias que no tienen ni un ápice de sentido común:

El Viernes Santo siempre se oscurece y truena a las tres de la tarde.

Si uno se mete al mar en esos días se vuelve pez.

El diablo anda suelto en esos días.

Siempre tiembla en Semana Santa.

Prohibido comer carne y prohibido el sexo.

Clavar cosas también es malo porque Cristo fue clavado en una cruz.

Los niños no podían subir a los árboles porque se convertirián en monos.

Dos de los más descabellados son el que dice que barrer es fatal porque “se barre la esencia de Cristo” y el otro señala que vestirse de rojo no es bueno porque “el rojo es el color de la bestia y atrae al diablo”.

Esto del vestido rojo me resultó tan absurdo que me fascinó y me dije “tengo que dibujarlo” .

En mi obra una mujer vestida de rojo está haciendo sus quehaceres domésticos en la noche, a sabiendas de que está en Cuaresma, parece ignorar que su acción es una invitación a un visitante no deseado que la observa escondido entre las plantas del jardín. Al fondo la luna llena ilumina la silueta de una pequeña iglesia. Las sombra de la mujer reflejada en la pared sugiere una atmósfera tenebrosa, indicando que algo sobrenatural está a punto de suceder.

En la universidad escuché que las sociedades al ir evolucionando, avanzando en su desarrollo científico y tecnológico, se van desacralizando, avanzan en su ruta a la secularización, lo cual para mi es bueno, sin embargo no de ja de tener su atractivo el conservar estas historias llenas de creencias que no tienen ningún asidero en la lógica, son historias de realismo mágico si se quiere . Espero que toda este revoltijo de religión, mito y fantasía no se desaparezcan en el tiempo, sino que se conserven como el recuerdo de épocas más pausadas, de ritmos más lentos donde el juego de luces y sombras de una vela después del atardecer convierten en posibles verdades las ideas más alejadas de la lógica y lo natural.

Creo que el arte puede contribuir a preservar todo ese acervo mágico.

©GinoBoschini2023

Concurso Fotografiar Para Actuar

Para el mes de setiembre 2022 participé en el concurso Fotografiar Para Actuar en la modalidad amateur. El evento tenía como temática acciones para afrontar el cambio climático, demostrando que existe la esperanza a partir de un cambio generado a todo nivel  en la sociedad de América Latina y el Caribe.

Este concurso fue convocado por LatinClima, la Cooperación Española, EUROCLIMA+, el Centro Científico Tropical (CCT) y Salud sin Daño: el fin era involucrar a la ciudadanía de América Latina y el Caribe para sensibilizar y buscar soluciones frente al cambio climático.

Este certamen se enmarcó en la iniciativa Conocer para Actuar: ¿cómo enfrentamos el cambio climático? desarrollada a lo largo del mes de octubre por diferentes organizaciones de la región, por motivo del Día Mundial contra el Cambio Climático (24 de octubre).

Cada persona podrá participar únicamente en una de las dos categorías y solo con una pieza alusiva a la temática que se solicita.

Una vez publicadas las fotografías participantes, la gente podía votar por la que escogiera como su favorita. En esta oportunidad mi fotografía “Después de la fiesta” contó con el favor del público y resulté ganador del concurso.

Descripción de la foto:

“Después de la fiesta”.
Gino Boschini.
2022

En esta fotografía vemos un par de globos en un caño ubicado en el costado este de la Plaza de las Garantías Sociales en San José. Esos globos parecen haber decorado una fiesta o tal vez alguna tienda. Se acabó el evento y los responsables, simplemente los desecharon de manera descuidada y fueron a parar a este caño en el centro de San José. Seguramente se reventaron o se desinflaron y a través del torrente de la cañería eventualmente habrán llegado a algún río o tal vez al mar. El látex y los otros componentes usados en los globos dura aproximadamente seis meses en descomponerse, el tiempo suficiente para que animales marinos y terrestres los confundan con alimento y mueran. Consideremos el impacto contaminante de los globos a lo largo y ancho de nuestro planeta para poder dimensionar la gravedad de esta situación.

No podemos evitar la fabricación de globos y muchísimo menos se trata de impedir el uso de objetos en decoración, porque estas actividades representan trabajo e ingresos económicos para muchas familias. Considero que el cambio vendrá a la hora de desechar los globos, una vez que hayan concluidosu vida útil.  Podemos emepezar por no tirarlos a la calle y enseñar a los niños que después de jugar con el globo, no hay que dejarlo en cualquier parte. Es un pequeño comienzo, que a la larga podría incidir positivamente en ciudades más limpias, llevándonos a ser más amigables con la naturaleza y el clima.

Nuevamente agradezco a las organizaciones coordinadoras y a las personas que votaron por mi foto, por esta oportunidad de permitirme colaborar con la sensibilización hacia la problemática de nuestra relación de responsabilidad con el cambio climático.

©GinoBoschini2023

 

 

Festival Cultural Caraigres 2022

A principios del pasado mes de diciembre 2022, tuvo lugar en el Parque Monseñor Sanabria de San Ignacio de Acosta el Tercer Festival Cultural Caraigres.

Este es un evento anual que reúne artesanos, artistas, emprendedores y trabajadores de la cultura de los cantones de Aserrí, Acosta y Desamparados, con el fin de exponer al público su trabajo, dando a conocer sus talentos a la vez que se invita a los asistentes a disfrutar la belleza natural y la gran riqueza cultural de esta zona.

La primera edición de este importante  festival fue en el año 2018 en Tarbaca de Aserri y la segunda fue en el Rosario de Desamparados en el 2019.  Por la pandemia del COVID en el 2020, el festival tuvo que suspenderse hasta este año.

Este festival cultural implica un enorme y complejo trabajo de lógistica en el que se unen los esfurerzos de la Comisión de Cultura del Consejo Territorial de Desarrollo rural del INDER de Caraigres. Se trata de un consejo directivo donde participan gobiernos locales, instituciones públicas y organizaciones comunales de los tres cantones.

Su figura esencial reside en la comunicadora y gestora cultural Heylin Monge, quien es la Coordinadora General del festival Caraigres, lo que la lleva a desempeñarse como una de las principales promotoras e impulsadoras de este evento.

Para participar en este festival de dos días, los organizadores convocan a artesanos, artistas y emprendedores interesados en participar a someterse a un proceso de selección para tener acceso a los stands y demás actividades donde se presentarán a los visitantes los productos y números artísticos.

Este año tuve la oportunidad de ser elegido. Para mi fue una experiencia increíble, muy emocionante, divertida, enriquecedora; pues conocí muchísima gente con la que compartí experiencias y de quiénes aprendí montones, no sólo en lo referente al trabajo artístico y artesanal o de la actividad ferial,  también tuve el honor de intereactuar con excelentes seres humanos. y espero pueda seguir participando de este festival en sus futuras ediciones.

El primer día era imposible no sentir ese aire de aventura. He ido pocas veces a Acosta y aún menos en bus ¡y sólo!  Esta foto la tomé en el centro de Desamparados, cuando esperaba el bus y me comía la incertidumbre de no saber si estaba esperando en el lugar correcto, en el momento indicado.

El trayecto fue más rápido de lo que me imaginé. El recorrido tiene hermosas vistas de esta zona montañosa, es un viaje muy agradable. Al llegar a Acosta me sorprendió lo extremadamente placentero del clima: muy cálido, veraniego y con una muy refrescante brisa.

Desde temprano ya había movimiento de acomodo de los stands y los encargados nos iban asignando nuestros puestos.

Me tocó a la entrada de la iglesia, en una parte muy fresca y cómoda. Llevé sólo obras de pequeño formato, por obvias razones prácticas.

En esta foto, justo a mi izquierda, verán en un caballete, una obra con tres figuras femeninas. Se trata de “Evolución”, un trabajo en acrílico dedicado a la maternidad. Esta obra dio pie a muy interesantes conversaciones entre algunos espectadores del festival con los que interactué. Les invitó a leer la entrada sobre Evolución, aquí en mi blog.

¡Todo listo para pasar un lindo día!

Entre los expositores se encontraba mi querida amiga María Isabel Delgado con su emprendimiento Nativa Artesanías . Isabel contó en el festival con el apoyo de su esposo Winston, que diligentemente resolvía todos los requerimientos de su esposa en cuanto a logística y transporte. Un rubro en el cual salí beneficiado porque ese día me y al día siguiente tanto de ida como de vuelta, tuvieron el generoso detalle de llevarme con ellos. ¡Mil gracias!

Muy bonito y cómodo el parque Monseñor Sanabria.

A pesar de la música, el movimiento y la gente, algunos podían tomar una siesta con toda tranquilidad.

Entre las atenciones que tuvo la organización del festival con los participantes, se incluía un rico almuerzo.

Vean ese bellísimo cielo impecablemente celeste.

Esta foto es del segundo día, hubo un momento en que estuvo muy nublado.

El domingo a las 09:00 de la mañana hubo una sesión de cardio dance impartida por Rosibel López Marín.

El domingo nos cambiaron de lugar, esta vez me tocó en un toldo en el centro del parque. Sin duda, una ubicación más conveniente por estar cerca de los demás participantes y con vista al escenario.

A pesar de que mi puesto se encontraba al frente del escenario, casi no pude ver con atención el espectáculo, pues siempre estuve ocupado. Sí logré escuchar mucha música, muy bien ejecutada y de ritmos muy variados. También hubo grupos de baile.

Todo un honor salir en una foto con Heylin Monge: una persona a la que admiro enormemente por su entrega a la gestión cultural. Ella cree en que la unión hace la fuerza, en el poder de la voluntad y en el talento de la gente de Desamparados y lo demuestra con sus acciones.

Entre los visitantes a mi stand, se acercó la señora Verónica Abarca a ver mis obras y me preguntó si  tenía alguna con tema de abejas. Como no contaba con ninguna obra con abejas, le ofrecí hacerle una ahí mismo. Ese día cargué con esta libreta de papel Fabriano, lápices acuarelables y plumillas, para entreternerme durante los tiempos muertos , que por cierto, ni sábado ni domingo hubo ni un segundo de tiempo muerto. Siempre hubo algo que hacer o alguien con quien hablar.

Inmediatamente pusimos manos a la obra  para tener lista la abeja que le presentaría a Verónica.

¡Por fin la abeja estuvo lista! La títulé La abeja del festival

Verónica con su nueva adquisición y yo muy satisfecho de haber podido hacerle una obra exclusivamente para ella. A Verónica le interesaba una obra con una abeja, porque su emprendimiento VeroMiel se especializa en productos apícolas. ¡Gracias Verónica por confiar en mi trabajo!

La Municipalidad de Acosta estaba regalando estas prácticas bolsas reutilizables con muy buenos consejos impresos a propóisto del Día Mundial del Medio Ambiente.

El primer día, a la par de mi puesto se encontraba la señora Hania Garro de Fantasy Woven, su emprendimiento consiste en la elaboración de hermosos artículos tejidos. Hania me compró una obra que le gustó mucho a su hijo, que ese día estaba de asistente de su mamá. ¡Se merecía el regalito!

María Solano, la fotográfa del staff del festival, también me compró unas obras. Entre esas la acuarela Alimento que estuvo exponiéndose en Galería Talentum en el año 2020.

En ambos días tuve la gran suerte de quedar de vecino de stand con el grupo de Vivero Los Pana: un emprendimiento familiar de producción y venta de plantas ornamentales. Personas encantadoras, con las cuales fue un deleite compartir estos dos días de feria.

Sofi, otro importante miembro del staff. Ella es una de las muchas personas que hicieron de este festival un centro de buena energía, emprendimiento y acciones productivas. Gente como el artista Ronald Durán de rduranf_art y María Teresa de Eco-Joyería Marte con quienes tuve el gusto de conversar sobre su trabajo, pero se nos olvidó tomarnos foto, sin embargo no podía dejar de mencionarlos, como tampoco puedo dejar por fuera a las compañeras de Café Aromas de la Legua, también vecinas de stand y que producen un exquisito café gourmet.

Importantísima figura de la cultura desamparadeña, don Rafael Flores, director de la Oficina de Cultura y Arte de la Municipalidad de Desamparados.

Este es el certificado por participación que otorgan las organizaciones que gestionan y producen el festival Caraigres, evento que esperemos siga impulsando y fortaleciendo la cultura de Desamparados, Aserrí y Acosta.

©GinoBoschini2023

Los gigantes de Escuela La Joya

La Escuela La Joya en el Rosario de Desamparados,  es un centro educativo reconocido por ser un modelo de enseñanza en el que la importancia del trabajo en equipo, la formación comunitaria y la conciencia ambientalista y ecológica conforman la agenda cotidiana de sus estudiantes, docentes y empleados administrativos, también involucrando activamente a padres de familias y a la comunidad de la zona. Además esta escuela cuenta con muchos colaboradores externos entre los que nos encontramos mis compañeros de Pintal y yo: a veces participamos en los proyectos de la escuela colectivamente o como en esta oportunidad de manera individual.

Con el mes de setiembre, vienen las celebraciones de la Independencia de Costa Rica. Por esta razón el director de la Escuela La Joya, el señor Banacheck García, me solicitó que le hiciera un “maquillaje” a unos gigantes de mascarada que tenía la escuela. La mascarada tradicional costarricense es una tradición pluricultural y sincrética que viene desde la época colonial y sigue vigente en la actualidad, al punto de ser incluida por ley, como uno de los símbolos nacionales de Costa Rica.

De siempre me han fascinado las máscaras, los disfraces, todas esas cosas que convierten a quien los usa en un personaje distinto a su realidad, sacándolo de la normalidad y de la rutina; por eso la idea de intervenir unos gigantes me resultó irresistible. Los gigantes son máscaras grandes que se montan en estructuras de diversos materiales que sirven para colocarse sobre los hombros de la persona que va a portar la máscara. Los gigantes suelen ir en pareja: el Gigante  con su Giganta.

Así llegaron: urgía un “extreme makeover”.

Llegó el momento de asumir el reto de embellecerlos. Se me hacía interesantísimo intervenir estas figuras con mi estilo para darles una nueva identidad, pues con contaba con la aprobación expresa de don Banacheck para ejercer libertad creativa absoluta.

¡Ese pelo!

Lo primero fue quitarle el pelo al Gigante. Tal vez en otro tiempo esa “cabellera” tuvo mejor aspecto, pero era evidente que ahora era un problema que había que “arrancar de raíz”.

En la parte de arriba en la cabeza, tenía unos huecos que rellené con papel y pegamento. Aún no tenía decidido si se iba a comprar otra peluca u otro tipo de accesorio. Por retirar el pelo procedí a lijar y aplicar unas capas de acrílico blanco, después algo de color.

Yo soy de la gente que conforme trabaja, el material me va guiando por una ruta virtual, me va contando cosas y eso me ayuda a darle ciertas características al proyecto al que estoy dedicado en ese momento.  Con este personaje empecé a verlo como un español muy cliché, muy estereotipado: nariz grande, barba y bigote, cejas pobladas, boina roja. O tal vez podía ser alguien que pretende lucir como la idea que él tiene de un español. Le pinté la nariz  y las mejillas en un color muy encendido aludiendo a la frecuente ingesta de bebidas espirituosas.

La barba, el bigote y el cabello (ahora pintado) llevan un diseño que indica que ya el personaje es un hombre maduro con algo de canas. De esta manera evitamos comprar otra peluca o invertir en algún tipo de material para el cabello. Cuando se trabaja con materiales reciclados o reutilizados, la idea base es no comprar o gastar en materiales nuevos en la medida de lo posible.

Los ojos: bien expresionistas. La boca: morada e inspirada en los labios inyectados con rellenos de algunas celebridades. La boina de tela y una bufanda en colores azul, blanco y rojo, acorde con la celebración del 15 de setiembre.

Con la Giganta, el principal reto también fue el cabello: era de fibra de vidrio, pero había que cambiarle el color. Nuevamente hubo que lijar un poco. Para darles una idea de lo que es lijar para mí, les cuento que si hay algo que detesto hacer son todos los oficios domésticos y de estos lo peor es planchar. Es un castigo infernal. Para que quede claro entonces para mí lijar es igual de desagradable que planchar. Pero cuando hay que hacerlo, pues se lija. Y realizar esa acción en una superficie irregular no es precisamente placentero.

Terminado el lijado, también se le aplicó acrílico blanco a la figura. Me intereesaba mucho eleminar todo rastro de lo que se conoce como “blackface” (esto es el maquillaje de teatro muy usado en el pasado para representar a una persona negra, actualmente tiene fuertes connotaciones racistas, por lo tanto es mejor evitarlo). Considerando que Costa Rica es un país pluricultural y multiétnico, además de contar con la bención de la libertad creativa, decidí darle a este personaje una identidad sincrética e inclusiva: puse varios tonos de posibles colores de piel para proyectar la idea de pluralidad de etnias: café, naranja, rosado, rojo, amarillo y lo dispuse en forma de tatuajes para darle moviemiento.

La base de estas figuras también requirió ciertos retoques estructurales poque presentaba varios agujeros que rellené con das. Aunque estas bases van cubiertas por el vestido que les ponen a los gigantes,  siempre es bueno cuidar y completar los detalles, por más ocultos que estén.

El pelo se resolvión en celestes, gris plata y morados. El maquillaje bien exagerado. En los tiempos de la colonia, el personaje de la Gigante caricaturizaba a las señoras más acaudaladas del pueblo. En mi versión esta señora es más popular y más ktsch: de ahí la exageración en su arreglo personal.

Ya terminadas las figuras, se les aplicó un par de capas de barniz mate. Tengo una cierta aversión a los acabados muy brillantes.

Las joyas: aretes de piezas plásticas grandes con cascabeles, no basta que se vean los aretes porque es ¡mejor si suenan también! y un collar de cadenas doradas de varias vueltas.

Mi firma y los nombres de cada personaje: Vizente (yo sé que ese nombre es “Vicente” pero quería enfatizar un acento más bien afectado y exagerado porque decidí que el personaje no es español, sólo pretende serlo) y ella es Famfatal (un derivado de “femme fatale”

¡El antes y el después!

Foto cortesía de don Banacheck García.

En estas fotos vemos a Famfatal y a Vizente ya vestidos y listos para la celebración del 15 de setiembre.

Este video me lo compartió el director de Escuela La Joya, don Banacheck García para  ver a los personajes en acción.

Famfatal y Vizente

Cuando don Banacheck vino a mi taller por estas figuras, yo le comenté algo de la recién adquirida identidad de estos personajes. El me pidió que le escribiera la historia y aquí se las comparto tal cual se la envié a él:

Vizente y Famfatal

Conforme iba trabajando en el proceso de restauración de estos gigantes, de manera inconsciente empecé a crearles una cierta identidad, una vida imaginaria que actuaba como la ruta a seguir para impregnarles características que los personalizaran. Esa es una de las razones por las que decidí ponerles nombre. Él es Vizente y ella es Famfatal.

Vizente: lo escribo adrede con “z” para enfatizar que este personaje es español (o tal vez pretende serlo y habla con un acento todo fingido). Usa boina y bufanda y tiene una barba muy poblada aunque también en algunas partes de la cara sólo le crecen unos pelillos aislados. La nariz y orejas rojas se debe a su gusto por los tragos en los salones de baile donde conoció a Famfatal.

Famfatal: su nombre viene de la expresión en francés “femme fatale” (una mujer irresistible). Esta giganta originalmente era rubia y tenía la piel pintada de negra. Decidí representar en su color de piel varios de las tonalidades de algunas etnias costarricenses: por eso ella tiene tantos colores en su piel. Respecto al cabello, desde un principio me lo imaginé de colores poco convencionales. Resulta que Fanfatal ya es una señora de cierta edad, pero eso no le quita el gusto por ir a salones de baile a divertirse con sus amigas. Por eso se maquilla de forma exagerada y se arregla con accesorios extravagantes porque ella tiene que llamar la atención a como de lugar, gracias a eso, no pasó desapercibida para Vizente.

Según me dice don Banacheck, Famfatal y Vizente van a tener mucho trabajo y diversión porque se planea que tengan participación frecuente de las actividades de Escuela La Joya. En un futuro les presentaré más entradas relacionadas con este centro educativo tan innovador y proactivo en su propuesta educativa.

©GinoBoschini2022

 

Empezando setiembre

De un tiempo a la fecha, al comienzo de cada mes hago alguna obra para estrenarla como foto de portada de mi página personal de Facebook. Trato de que esa obra tenga algo que ver con alguna de las festividades o fechas importantes del mes. Puedo tomar como referencia el nombre del mes, o algo de su historia o el nacimiento o muerte de algún personaje histórico notable o incluso puedo aludir a algún elemento simbólico del mes.

En Costa Rica celebramos nuestra independencia el 15 de setiembre. De hecho prácticamente en todo el mes se realizan actividades tanto en lo público como en lo privado que festejan este evento histórico. Por ejemplo muchas viviendas se decoran con ornamentos relacionados con símbolos nacionales.

Por todo lo anterior este mes escogí trabajar en mi obra dos elementos representativos de la cultura tica, de ahí que usara tinta azul y roja, con el fondo blanco del papel de acuarela. Uno de estos elementos me gusta mucho y el otro es un grave defecto colectivo que espero algún día superaremos.

Empecemos por lo positivo: al extremo derecho en este trabajo realizado con bolígrafo, vemos una representación de La Nigüenta. Esta es una figurilla muy célebre en el ideario tico. Se le atribuyen poderes de atracción de la buena suerte, la salud y hasta el amor. Sobre su origen hay varias versiones que se funden con la neblina de los tiempos. En lo personal, a mi no me gustaba mucho cuando yo estaba joven, porque me parecía demasiado “pintoresca”, casi de mal gusto. Pero con el tiempo la percepción de muchas cosas cambia, en mi caso fue después de llevar algunas clases de Historia del Arte en las que estudiamos el arte popular y el arte kitsch. Fue entonces cuando empecé a ver a La Nigüenta con los ojos del conocimiento y de la objetividad. Ahora es una de mis representaciones culturales más apreciadas, la siento tan ligada a la estética tradicional que para mi es casi el referente por excelencia de la cultura popular y de esa idealización que tenemos los ticos de un pasado más sencillo, más tranquilo y romántico.

Cerca de mi querida Nigüenta, un poco más atrás, se aprecia una figura blanca redonda que parece una luna, pues no, no es un dibujo de ese cuerpo celeste. Es un reloj con sus agujas distorsionadas, retorcidas y carentes de sentido. Abajo se encuentran los números del reloj pintados con los colores de nuestra bandera. Es mi forma de representar la infame “hora tica”. Para muchos costarricenses es como un elemento unificante o distintivo de nuestra manera de ser, para mi es un hábito desagradable, una pésima costumbre que debería erradicarse. Nuestra impuntualidad es célebre incluso más allá de nuestras fronteras, pareciera como si el tiempo en Costa Rica fuera algo ajeno al tiempo en el resto del mundo. Por eso dibujé los números del reloj en el piso de éste, porque para muchos de nosotros los ticos, el valorar el tiempo es un sinsentido. No sé si en el futuro lograremos hacer de la “hora tica” sólo un mal recuerdo de una debilidad cultural.

El caso es que ningún país es perfecto, como no lo es ningún ser humano, por eso no podemos esperar que los ticos seamos perfectos, tenemos nuestros defectos y nos toca a cada uno de nosotros, tratar de superarlos en lo cotidiano, en nuestro mundo privado. Fácil no es, pero todos podemos intentar ser mejores cada día, podemos empezar tratando de ser puntuales.

¡Feliz mes de la independencia a mi amada Costa Rica!

©GinoBoschini2022